En la década de los ochenta dos renombrados críticos de arte anunciaron de forma separada el fin del sentido y el propósito del arte contemporáneo. Ante esta ostentosa declaración, las instituciones y la intelectualidad del mundo del arte se polarizaron tomando posiciones enfrentadas, pero asumiendo la declaración como esencialmente veraz. Las dos teorías acerca del fin del arte fueron debatidas y cuestionadas por numerosos especialistas, aún así, gracias a la buena argumentación y a las evidencias que se daban, las teorías acabaron siendo aceptadas dentro de la historia de la estética y la filosofía del arte.

Hans Betling y Arthur Danto fueron los que en 1983 y en 1984 respectivamente expusieron dos tesis acerca de la realización del sentido histórico del arte contemporáneo. Con ello, exponían ambos autores, se daba la imposibilidad de crear nuevo arte dentro de ese marco histórico. Esta situación se encuadró en toda la corriente postmoderna, que debatía la realización de un cambio en las posibilidades de interpretación histórica, y que abogaba por una irrevocable transición hacia la cosmovisión relativista que domina la actualidad.

Pero, ¿qué hay de cierto en esta tesis? A lo largo del siglo XX se ha visto una gran evolución de las técnicas, temáticas y formas de expresión, dando lugar a numerosas corrientes y manifestaciones artísticas. Toda la corriente vanguardista de la primera mitad del siglo destacó por crear una nueva forma de interpretar el arte como un lenguaje expresivo que se volvió auto-referencial. La progresiva separación de las formas expresadas en pintura o escultura, con la realidad a la cual referían, dio lugar a la abstracción formal primera, al expresionismo abstracto posterior y a corrientes aún más puristas como el minimal-art o el op-art de los sesenta.

La aplicación de las técnicas de collage impulsadas por los artistas cubistas permiten a los creadores del fenómeno pop-art acercarse a la nueva sociedad de consumo sublimada en los años sesenta. Esta nueva adopción del arte como producto contribuye aún más a la pérdida de una parte de su sentido espiritual. La siguiente generación, caracterizada por el nuevo arte conceptual, recoge la idea de pérdida de sentido y trata de encerrarla exclusivamente en la pérdida del sentido de la forma. Así comienzan a surgir las obras que adolecen de una forma necesaria y que aspiran a funcionar como ideas explicadas.En el contexto de la institucionalización de este nuevo arte conceptual es donde podemos situar a los dos pensadores que hemos comentado. Su propuesta, por tanto, puede entenderse como una mera definición de la progresión del arte en el siglo XX. Podemos, empero, argumentar que dicha tesis no se corresponde con la realidad empírica, puesto que se siguen creando obras de arte sin cesar, y se inauguran museos y se traslada toda esta cultura al nuevo plano de la cibernética. Todo esto es cierto y poco discutible pero la base de la tesis del fin del arte puede ser cierta.

 Para aceptar esto debemos pensar en la función histórica del arte y en como ésta ha ido progresivamente colmándose. El arte es hoy un producto de mercado que permite a muchas personas mantener cierta relación con la idea espiritual de belleza. Tanto los creadores anónimos como los marchantes, coleccionistas y directores de museos, se interrelacionan en un entramado compra-venta de obras y especulación. Las grandes casas de subastas fomentan la idea de un arte de valor incalculable pero con un precio marcado. Muchos autores de a pie humildemente asumen que el valor de su propia obra está muy por debajo de los grandes maestros de la historia, pero no parecen comprender muy bien por qué.

La respuesta a estas paradojas e incoherencias no se halla en las técnicas, los temas o la pericia de los autores actuales, sino que se trata de un fenómeno de la propia época en la que vivimos. La desacralización del mundo y el imperio de la razón han dado lugar a que el arte no pueda manifestarse tan claramente como la realización del genio intemporal que en tiempos fue. Fuente: artelista.com

Por: Jaime Ariansen Céspedes - Curso Equipamiento Hotelero

Arte y Estilo en la Hotelería y la restauración. 

Creemos que es importante que los profesionales de la hotelería y la restauración, tengan un mínimo de conocimientos de arte y estilo, con el propósito de que puedan comprender mejor la importancia de la estética en su desempeño profesional.

Hemos recopilado, analizado e interpretado los principales estilos artísticos y los hemos referidos a las diversas épocas de la historia, donde se iniciaron o fueron protagonistas, nuestras fuentes de información fueron numerosas obras de arte y enciclopedias especializadas que apreciamos mucho estén ahora en nuestra biblioteca, también hemos utilizado las separatas del curso Historia del Arte que dictamos en forma regular, y por ultimo hemos incluido un glosario sobre conceptos de arte y estilo que creemos será muy útil para todos los ejecutivos eficaces.

El Arte en la Prehistoria.

Es el período de la evolución del hombre antes de la escritura. Las manifestaciones artísticas más relevantes son las pinturas rupestres del Paleolítico y las edificaciones pétreas del Neolítico.

Se manifiesta  hace aproximadamente 15,000 años. Se expresa en particular en forma de pinturas, relieves y de estatuillas de barro y piedra.

Referente a la pintura es esencialmente representativa, aunque bastante estilizada y excepcionalmente narrativa: muestra animales, dando preferencia a los grandes mamíferos como son los mamuts, renos, bisontes, caballos, osos, rinocerontes, etc...También se presenta con frecuencia, manos (en negativo particularmente) y órganos sexuales simplificados. 

Algunas veces se representan híbridos de animal y humano. La manera de trabajar de los artistas de esta época presenta aspectos que demuestran talento en estas sociedades primitivas.

Los Egipcios.

La civilización egipcia se desarrolló a lo largo del Río Nilo, en el Este de África a partir del tercer milenio antes de Cristo. Tenían una forma de  gobierno teocrático: se creía que el Faraón era el hijo del Dios principal.

La gran importancia de la religión y el respeto a la muerte, existentes entre los Egipcios, originaron un arte de cánones muy estrictos que se aprecia esencialmente en los templos y las tumbas.

Los Cánones Egipcios de Representación del Cuerpo Humano. El hombre es un elemento muy frecuente en el arte egipcio. El artista no tiene la libertad de interpretar su tema. Debe obedecer los cánones impuestos por los sacerdotes, con religioso respeto. El hombre es más alto y más moreno que la mujer. Los niños sólo se distinguen por su tamaño. Con excepción de Amenofis IV, los retratos son ideales. Los faraones y sus reinas siempre son delgados, hermosos y jóvenes.

Los Templos Egipcios. Fueron edificados sobre los bancos del Río Nilo o en las arenas del desierto, con piedra traída del sur montañoso. Se llega generalmente a ellos por un camino cuyas orillas están marcadas por alineamientos de esfinges. Cerca de la entrada hay dos obeliscos decorados de jeroglifos.

La puerta se abre en unos enormes muros de forma trapezoidal que simbolizan al Río Nilo, principal responsable de la prosperidad del país por la regularidad de sus inundaciones.

Pasando este muro, aparecen sucesivamente tres construcciones: Un patio periestilo para ceremonias públicas. Un patio hypoestilo al que sólo tienen acceso los nobles. Finalmente las habitaciones de los sacerdotes con el sanctuario.  Los templos son abundantemente decorados con esculturas, relieves y pinturas y poseen una gran variedad de columnas. 

Por: Jaime Ariansen Céspedes - Instituto de los Andes

Aspectos Especiales de la Infraestructura.

01. El Color. En el campo de la hotelería, a veces se confunden los conceptos y se considera que el color tiene como única finalidad aspectos decorativos y eso no es así, en el mundo moderno se pueden explicar las características de cada color, sus respectivas tonalidades y su relación con el hombre y sus actividades profesionales y empresariales.

02. La Luz. A través de la historia ha representado al fuego que ilumina, protege y conforta a la comunidad. En todos los grupos humanos la importancia de la luz es evidente, por ejemplo en la historia del hombre, el Sol es fuente y centro de la vida hasta llegar de la mano de los científicos a su descomposición y la aplicación artística de las partículas que inciden sobre los objetos de la decoración y permiten mediante los matices diferencia las cosas y crear estilos y sensaciones.

03. La Forma. El profesional califica al espacio que lo rodea por sus formas, utiliza un lenguaje compuesto de conceptos, características, diferencias y similitudes, asociando los volúmenes que ocupan los cuerpos en el espacio, denominándolas con expresiones geométricas, redondeadas, angulosas o rectas, compactas o dispersas. Las formas  ocupan un espacio que tiene tres dimensiones, alto, ancho y profundidad. En un hotel la forma debe ser entendida como un vehículo de expresión.

04. El Movimiento. Se puede decir que los mejores hoteles “son los dinámicos”. Esta expresión se puede entender como la interpretación personal de cada uno de los pasajeros que se sienten identificados y cómodos con los espacios y los movimientos realizados en los mismos. Cada hotel posee un “tiempo”, que se puede traducir en ritmo o cadencia del servicio y podemos añadir aspectos de actitud positiva en el servicio.

05. El Espacio. Es uno de los aspectos mas importantes de la infraestructura hotelera. Es la determinación de las dimensiones adecuadas para cada actividad. Es el ámbito donde la acción es plasmada mediante el servicio que requiera cada uno y el total de los clientes. El espacio es el marco adecuado para las distintas relaciones que se establecen entre los diferentes elementos del hotel.

06. La Composición. Los hoteles se diseñan y organizan según las leyes de la estética, ingeniería y sentido común que permiten que los elementos que interviene en ella adquieran significado. Las leyes de la composición guardan una lógica interna,  los resultados permiten lograr una mayor fluidez y armonía en el servicio. La mejor composición no atrae la atención del cliente, sino que solo se descubre en toda su complejidad tras un determinado análisis. La composición es la ordenación de los espacios y los elementos en el contexto del hotel en funcionamiento, tienen que guardar un perfecto equilibrio, donde unos y otros elementos se compensan y complementan mutuamente. Existe la posibilidad que se pueda alterar deliberadamente el equilibrio como medio de expresión.

07. La Expresión. En el diseño de un hotel la expresión del empresario o profesional es un objetivo importante y prioritario. Toda obra y en consecuencia todo creador trata de expresar algo a través de su labor profesional. La frase “es el fruto de su talento” y al cliente le corresponde “sentir” que logra transmitir el hotel  mediante su infraestructura y servicio. Los medios, las técnicas, los materiales, el color, el sonido, la fantasía,  nos permiten descubrir las claves de la expresión.

08. Las Proporciones. Los diseñadores de hoteles que han buscado la funcionalidad y la armonía en perfecto equilibrio han encontrado un problema difícil en las proporciones, que entendemos como la relación correcta entre las partes de un todo. en este caso local, equipos, decoración y profesionales trabajando.

09. La Síntesis. Es la suma de todos los elementos del hotel, que fueron analizados en principio en forma individual. La síntesis nos permite agrupar en un punto concurrente diversos factores. Donde el diseñador muestra su dominio de conceptos como la luz, el color, la composición, y sobre todo la expresividad, realizada por la perfecta conjunción de todos los elementos que constituyen el objetivo supremo, un hotel eficiente, armonioso y seguro.