(14) G. ARTE

EL MAS CARO HASTA LA FECHA

’Los jugadores de cartas’ de Paul Cézanne, el cuadro más caro de la historia

La familia real de Catar ha pagado 250 millones de dólares (191,6 millones de euros) por Los jugadores de cartas, cuadro que forma parte de una serie de pinturas clásicas de Paul Cézanne. La venta, que supone un nuevo récord en el mundo del arte, convierte al cuadro en el más caro vendido en una subasta.

Cataradquirió el cuadro del magnate griego George Embiricos tras sobrepasar con 250 millones de dólares otras ofertas llegadas de prestigiosos marchantes, como Larry Gagosian y William Acuaqvella, y la revista señala que el precio final pudo alcanzar los 300 millones de dólares dependiendo de las tasas de cambio que se aplicaran en el momento de la compra.

El lienzo retrata a dos jugadores y pertenece a la época de madurez del artista. Hasta el momento, el cuadro más cuaro era el lienzo Number 5 de Jackson Pollock, que fue vendido por 140 millones de dólares.

Con la compra del cuadro, Catar quiere convertirse en un punto de referencia mundial en cuanto al arte, según subraya Vanity Fair, que destaca que el Cézanne acabará en el Museo Árabe de Arte Moderno, inaugurado en 2010 y donde hay numerosas piezas famosas de Mark Rothko (1903-1970) y Andy Warhol (1928-1987), entre otros artistas.

Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación (los nabis o la escuela de Pont-Aven).

UN GRAN EXPRESIONISTA

Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano

Georges Rouault, quizá el menos conocido de los fauvistas, es una rara avis dentro del expresionismo, con una obra de un intenso anhelo metafísico que emplea para su desarrollo una plástica objetivamente material y explosiva. Las grandes superficies de color, delimitadas por gruesos trazos a la manera de vidrieras, son la marca de un artista en el que lo sagrado se funde con lo profano en una búsqueda del espíritu humano. El Museo de Bellas Artes de Bilbao ( España ) presenta, en colaboración con el centro Pompidou parisién, una colección de piezas de Rouault inéditas en Europa, a través de las cuales se traza un recorrido por toda su trayectoria, desde sus cuadros circenses hasta sus obras inacabadas.


La exposición, comisariada por la conservadora del Centre Georges Pompidou, Angela Lampe, presenta un total de 156 obras (óleos, grabados , e incluso una vidriera) de Georges Rouault, uno de los artistas más relevantes y personales de las vanguardias del s. XX. El conjunto incluye algunas obras especialmente representativas, como Parade (c. 1907-1910), L’apprenti-ouvrier (1925), Veronique (1945) o la serie de grabados Miserere (de la que el museo de Bilbao posee 4 estampas), aunque no es en este caso su muestra, y a pesar de su reconocida calidad, el punto fuerte de una exposición que presenta por primera vez un buen número de obras inéditas e inacabadas procedentes del taller del artista, donadas al Estado francés en 1963 por su viuda Marthe Rouault.

La selección permite realizar un acercamiento no sólo a la plástica de Rouault, a su evolución técnica, y a su desarrollo conceptual como autor, sino, y principalmente a través de los temas seleccionados, a la profunda búsqueda desarrollada por el artista en torno a la condición humana. En Rouault se funde lo divino y lo humano en unas composiciones que buscan siempre la representación de la dignidad del alma humana. Asuntos artísticos como el circense, tan de moda a comienzos de siglo a través de autores como Picasso, Daumier o Toulouse-Lautrec, le permitirán ahondar en esta idea, vertebrando, junto con tipologías sacras, buena parte de una producción que cada vez se irá volviendo más colorista y esperanzada.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON

Picasso y la escultura africana. Los orígenes de Las señoritas de Avignon

artelista.com - TEA Tenerife Espacio de las Artes ( Islas Canarias, España ) presenta una exposición que recoge las raíces de la que será la primera obra plenamente moderna: Las señoritas de Avignon. Deudor del arte africano, el estilo de Picasso desembocará en una fragmentación de planos y formas geométricas cuya evolución dará origen a una ruptura con toda la tradición previa y el nacimiento de una nueva forma de concebir el arte.


La exposición presenta uno de los cuadernos preparatorios realizados por Picasso para la que sería la obra que abrió las puertas al cubismo, Las señoritas de Avignon.  Esta reunión de bocetos, compilados en el Cuaderno nº7, se expone ahora, gracias a la cesión de la Fundación Picasso Museo Casa Natal de Málaga, junto a una veintena de piezas de arte africano antiguo de la colección Tribal Ready (próximas por procedencia y semejanza formal a las que habrían pertenecido a la colección de arte africano y oceánico del propio Picasso).

De esta manera, enfrentadas estas obras, es posible realizar un análisis de la influencia que el arte primitivo tuvo en la obra de Picasso y en la génesis del cubismo. La precariedad de realismo, sacrificado a una alternancia de facetas y planos sustitutivos de la realidad, será la base que fundamente a posteriori la propia corriente cubista. Picasso deconstruye así principios estéticos tradicionales, reemplazados ahora por una multiplicidad de puntos de vista que alteran el orden del tiempo y el espacio pero que, de la misma manera, suponen una representación reconocible, plena de belleza y geometrismo.

Antes de ejecutar Las señoritas de Avignon Picasso realizó un gran trabajo preparatorio que originaría un total de dieciséis cuadernos con dibujos y bocetos individuales. Cada uno de ellos amplía la visión de la obra, enriqueciendo una pieza que no puede ser considerada en su totalidad hasta que no se han visionado los elementos conducentes a su génesis. Y para acercar este conocimiento, TEA expone ahora el séptimo álbum, compuesto por una libreta escolar con ochenta y cuatro dibujos realizados a lápiz y tinta china que datan de mayo y junio de 1907. 

SAN JORGE - LA LEYENDA

En origen, la estirpe de guerreros santos de la cristiandad representaba cada uno de los momentos clave de la lucha de la religión: San Miguel Arcángel y el mal, Santiago Matamoros y la Reconquista, o San Jorge y la fe de los primeros cristianos perseguidos. Sin embargo, con el tiempo, la "historia" dará paso a la leyenda, las más de las veces a través de recopilaciones hagiográficas. Así, una obra clave como la famosa Leyenda dorada convertirá al romano Jorge de Capadocia en un caballero enfrentado a un dragón. Una historia entremezclada con el paganismo cuya derivación ha finalizado en nuestros días en la asociación de la figura del santo al 23 de abril, fecha en la que se celebra en toda España el Día del Libro.

artelista - La leyenda comienza en el s.IV, con el martirio del soldado romano Jorge de Capadocia a manos del emperador Diocleciano, cuya fama ha trascendido por culpa de la cruenta campaña de represión que llevaría a cabo contra las primeras comunidades de cristianos en los dominios de Roma. Así, religión, martirio y conversión de neófitos mediante, la figura de Jorge se asumirá, al igual que todos los muertos por la fe, en estandarte de la causa. Y, menos de un siglo después, San Jorge poseía ya, en la actual Lod (Israel), un punto de veneración importante que, por medio de las peregrinaciones, se comenzará a extender en siglos posteriores por el Imperio Romano de Oriente (prácticamente toda la cuenca mediterránea). El paso siguiente lo dará en el s.V el papa Gelasio, quien va a canonizar al soldado cristiano en un momento en el que la propia figura del santo comienza a sufrir interferencias con las diversas historias apócrifas que circulan sobre su vida y milagros y la asimilación del personaje realizada por otras religiones del Libro.

Este primer estadio en el desarrollo del mito, originario de la Passio Georgii, experimentará una continuación en época medieval, con la asimilación de la historia y consiguiente iconografía actuales. Santiago de la Vorágine, dominico que llegará a ser arzobispo de Génova, recogerá en su famoso libro de vidas de santos, La leyenda dorada, un episodio relativo a San Jorge que es culpable de su identificación hoy día como un héroe matadragones (y que poseerá una versión posterior en la tradición catalana). Según la historia transcrita por el italiano, el santo salvó a la princesa de Silca o Silena (Libia) de morir sacrificada al dragón que habitaba en el lago cercano y, en su honor, se habría construido una iglesia al pie de cuyo altar surgió una fuente sanadora. Si bien hay que reconocer el mérito y la intención compilatoria de Santiago de la Vorágine, lo cierto es que lo sobrenatural y la mitología acompañan las intenciones adoctrinantes de una obra cuya veracidad no puede aceptarse al pie de la letra, pero que supone un magnífico ejemplo de la fama que el santo poseería ya en la Edad Media, época en la que su iconografía de soldado se ampliará a cruzado caballero libertador.

Este modelo de leyenda, origen seguramente de todos los cuentos de princesas y dragones posteriores, ha llegado hasta la actualidad, en la que la fiesta de veneración al santo ha sufrido un sincretismo y ha pasado a coincidir con la celebración del Día del Libro, antiguamente celebrado en España el 7 de octubre en conmemoración del nacimiento de Cervantes. Será en la década de los 30 cuando la onomástica de San Jorge se haga coincidente con este día especial, pasando en regiones como Cataluña a diluirse la importancia de éste frente al patrón de la ciudad y adaptándose la propia leyenda a la tradición popular (que marca el homenaje a hombres y mujeres con libros y flores, respectivamente, en recuerdo del rescate llevado a cabo por el santo).

ANGELO BRONZINO

(Florencia 1503-1573)

Agnolo Tori o Angelo Bronzino, más conocido como El Bronzino o Il Bronzino, un pintor italiano y discípulo de Pontormo e influido por Miguel Ángel. Fue pintor de cámara de Cosme I de Médicis, primer gran duque de Toscana, y uno de los retratistas más representativos del manierismo.

Se tiene pocos datos de su infancia, pero se cree que nació en el seno de una familia muy humilde. Su primer maestro fue el pintor florentino Raffaellino del Garbo. En1515, ingresó en el tallerde Jacopo Carucci más conocido como Pontormo quien le hizo su hijo adoptivo, convirtiéndose en un hombre clave en la carrera artística de El Bronzino.

La mayor parte de sus pinturas son retratos de grandes literatos y de integrantes de la familia de los Médicis o de sus allegados, por ejemplo Leonor de Toledo hija del virrey de Nápoles y enlazada matrimonialmente con los Médicis.

Realizó para ellos, los Médicis, decoraciones en el Palacio Viejo (capilla de Leonor de Toledo, 1555-1564), y numerosos retratos de aparato (Leonor de Toledo y su hijo Fernando I Uffizi; Cosme I, galería nacional de Londres; García de Médicis, Prado). Pintó, asimismo, cuadros de tema mitológico, alegórico y religioso.

EXPRESIONISTAS ALEMANES 1900-1930

Expresionistas alemanes 1900-1930. Colección Kunsthalle Emden

El expresionismo fue un movimiento rápido, fugaz y de gran impacto visual, con muchas variantes diversas, cuyo fundamento sin embargo recaía en un mismo interés: la emoción y el sentimiento. Originario de Alemania, en el país germano esta corriente se desarrollará en torno a dos grupos hoy legendarios: Die Brücke y Der Blaue Reiter. Ahora, el centro CaixaForum Palma ( España ) acoge la obra de sus principales representantes hasta la Nueva Objetividad germana en una muestra que tendrá abiertas sus puertas tan sólo por unos días más. 

 

La muestra ha sido organizada por la Obra Social "la Caixa" en colaboración con el museo alemán Kunsthalle Emden y presenta un recorrido cronológico que abarca los grupos y tendencias del movimiento. Un total de 77 obras de casi 40 artistas, entre pinturas, esculturas, acuarelas y dibujos y grabados , ofrecen un perfil de las tres décadas de una corriente caracterizado por  "el desencanto por la vida urbana e industrial (y) la convicción sobre el papel del arte como un espacio para la regeneración social, la recuperación de la tradición artesanal y una aproximación nueva al color, mediante el cual el artista puede expresar su estado".

Pionero dentro de las vanguardias históricas, el expresionismo nacerá a principios del s. XX, al tiempo que el fauvismo, como una reacción al impresionismo previo y a su materialidad "externa". Concretado en Alemania en el inicial grupo Die Brücke (El Puente), durará hasta la llegada del movimiento nazi (para el que se tratará de un arte degenerado) por medio de los grupos Der Blaue Reiter (El jinete azul) y Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), con el que se tratará de retornar a la figuración. Ahora, la exposición de Palma recupera la vigencia de los postulados de un movimiento plenamente moderno a través de la obra de sus grandes representantes-Emil Nolde, Franz Marc, Kirchner, Schmidt-Rottluff o August Macke- , desde las primeras reacciones contra la estética burguesa de la época del káiser Guillermo II hasta el triunfo del partido nazi.

EL CUADRO DEL MES

Blanziflor et Helena

• País: Uruguay
• Año: 2010
• Precio: 2.000 €
• Tipo de obra: Dibujo
• Pintor: Antonio Alza Sanguinetti

EL CUADRO DEL MES

Natura leza muerta con sandía

• País: España
• Año: 2009
• Precio: 6.800 €
• Tipo de obra: Pintura

Autor: Sergio Vidal